Dadaísmo

El movimiento dada nació en un café cantante de Zurich en 1916, donde se recitaban poemas. Esta ciudad, se había convertido a partir del estallido de la Primera Guerra Mundial en un centro de refugio para emigrantes procedentes de toda Europa que querían escapar de la guerra. Allí se reunieron representantes de diversas escuelas como el expresionismo alemán, el futurismo italiano y el cubismo francés. Esto da al dadaísmo la particularidad de no ser un movimiento de rebeldía contra una escuela anterior, sino que cuestiona el concepto del arte antes de la Primera Guerra Mundial.

El Dadaísmo surge con la intención de destruir todos los códigos y sistemas establecidos en el mundo del arte. Es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético, ya que cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía. Se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior.
Está en contra de la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento y contra lo universal. Los dadaístas promueven un cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, defienden el caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección.
El origen del término Dadaísmo es confuso. La versión más aceptada dice que al abrir un diccionario al azar apareció la palabra dada, que significa caballito de juguete, y fue adoptada por el grupo.
CARACTERÍSTICAS
- Expresión irónico-satírica de los valores artísticos establecidos por la tradición y también por la vanguardia fauve y expresionista (actitud anti-arte).- Integración de técnicas distintas con empleo de fragmentos de materiales ( collage y décollage) y objetos de desecho cotidiano.- Niega el Arte, despreciando lo retórico y academicista y cualquier canon impuesto.- Protesta contra todo convencionalismo volviendo a lo instintivo e irracional (lo absurdo, el sinsentido y el azar establecen la identidad entre el arte y la vida). Feísmo.- Liberación del subconsciente (se produce una transición al surrealismo y al arte semi-abstracto).- Motivaciones de disociación.- Auge del disparate.- Expresión libre de la forma artística: todas las cosas de la realidad pueden ser objeto artístico (Marcel Duchamp crea sus ready-mades ).- Eliminación de la composición clásica.- Temática en la que predominan los mecanismos absurdos ("antimecanismos" que desarrollan una visión irónica de la máquina, de las cualidades a ella asimiladas y de la creciente importancia de lo mecánico en la sociedad moderna de la época).- Utilización de nuevas técnicas: el fotomontaje, variante nueva del collage introducida por R. Hausmann, realizado a base de imágenes multiplicadas y superpuestas, tomadas de periódicos, revistas y anuncios; y el "merz" o collage dadaísta (desarrollado por K. Schwitters) a base de materiales de desecho de todo tipo y estado.

Artista destacado: Francis Picabia

Nacio el 22 de enero, 1879 - 30 de noviembre, 1953 Pintor francés. Estudió en l´École des Beaux-Arts y en l´École des Arts Décoratifs. Sus primeras obras muestran una fuerte influencia impresionista y fauve, en especial de la obra de Picasso y Sisley. De 1909 a 1911 estuvo vinculado al cubismo y fue miembro del grupo "Puteaux", donde conoce a los hermanos Duchamp. En 1913 viajó a Estados Unidos, donde entra en contacto con el fotógrafo Alfred Stieglitz y el grupo Dadá americano. En Barcelona, publicó el primer número de su revista dadaista "391" (1916) contando con colaboradores como Apollinaire, Tzara, Man Ray o Arp. Tras pasar una etapa en la Costa azul con una fuerte presencia surrealista en su obra, regresa a París y crea junto a Breton la revista "491".
En las obras de Picabia, desde 1915, como en las de Duchamp o Man Ray, las máquinas se humanizan, sienten como seres humanos, aman y desean (La Novia de Duchamp). Picabia hace retratos, fundamentalmente irónicos, que son máquinas (Gabrielle Buffet, Marie Laurencin, Stieglitz como máquina de fotos y él mismo como claxon de automóvil, una de sus pasiones) y plantea, como hará Duchamp con mayor profundidad, los comportamientos más íntimos y complejos de los humanos a través de estructuras mecánicas, como “Parada amorosa”, de 1917 o “El novio” (1916-17).

Descripción de la obra: Parada amorosa
Ésta obra realizada por Picabia en 1917 es la máquina más complicada diseñada por el pintor. Se piensa que tiene un gran parecido con el Gran Vidrio de Duchamp.Para activar el mecanismo de la derecha, se tiene que poner en movimiento vertical el elemento de la izquierda.La rueda pequeña simboliza la parte femenina, siendo un contrapunto a la rueda inferior que representa la parte masculina.

Fuentes:
http://www.arteespana.com/dadaismo.htm
http://images.google.com/imgres?imgurl=http://www.enerxia.net/xart/documentacion/pAmorosa.jpg&imgrefurl=http://www.enerxia.net/xart/documentacion/dadaismo.htm&usg=__e6RrH5Q0XvDhVZ7tXiLPetDUdK0=&h=182&w=125&sz=9&hl=en&start=4&itbs=1&tbnid=6AaXZa8IyA8ZZM:&tbnh=101&tbnw=69&prev=/images%3Fq%3Ddadaismo%2Bpinturas%26hl%3Den%26gl%3Dar%26tbs%3Disch:1
http://nesoysusproblemas.blogspot.com/2010/01/parada-amorosa-picabia.html

Arte Abatracto

El arte abstracto es un movimiento artístico que surgió alrededor de 1910 y cuyo propósito es prescindir de todos los elementos figurativos, para así concentrar la fuerza expresiva en formas y colores sin ninguna relación con la realidad visual.
En la pintura abstracta, la obra de arte se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza y, como consecuencia, ya no se representa hombres, paisajes, casas o flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior. Una de las características principales de la pintura abstracta es el uso de un lenguaje sin forma y la libertad cromática.
Estilo artístico que enfatiza los aspectos cromáticos, formales y estructurales, acentuándolos, resaltando su valor y fuerza expresiva, sin tratar de imitar modelos o formas naturales. El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real.
El concepto de arte abstracto designa una serie de tendencias en pintura, escultura y artes gráficas, que rechazan la copia o la imitación de todo modelo exterior a la conciencia del artista. Se entiende por arte abstracto aquel que prescinde de toda figuración (espacio real, objetos, paisajes, figuras, seres animados e incluso formas geométricas si se representan como objetos reales, con iluminación y perspectiva); según esta acepción, una obra abstracta no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en sí misma, sino que propone una nueva realidad distinta a la natural.

Artista destacado: Wassily Kandinsky
Nació en Moscú en 1866, en 1871 su familia se traslada a Odesa. De 1886 a 1889 estudia Leyes en Moscú. En 1896 rechaza un puesto docente en la Universidad de Dorpat para estudiar Arte en Múnich.
El ruso Wassily Kandinsky es el artista que impulsa la pintura no figurativa en Munich, a principios del siglo XX. “En el campo pictórico, una mancha redonda puede ser más significativa que una figura humana”, señala el pintor. Para él, el elemento interior determina la obra de arte. En 1921 Kandinsky se traslada a Berlín dónde se incorpora a la escuela de diseño, arte y arquitectura de la Bauhaus. En esta escuela se encuentra otro de los artistas destacados en la pintura abstracta, el suizo Paul Klee. El maestro explicaba en sus clases y en sus escritos cómo los elementos gráficos (el punto, la línea, el plano y el espacio) adquieren significado mediante una descarga de energía dentro de la mente del artista.

Descripción de la obra: Composición 8
Composición IV es una de las pinturas no-objetivas más representativas que desarrolló Kandinsky a comienzos de la década del 1910.
En lado izquierdo, y en medio de un mundo idealizado de hadas, dos jinetes parecen estar luchando encima de un arco iris, representando así una lucha pictórica ente el color azul y el amarillo y una lucha entre líneas rectas y líneas curvas.
En el centro un castillo culmina en una montaña azul, delante de la cual tres caballeros sujetan dos lanzas muy largas que sirven al artista para dividir el cuadro en dos mitades formalmente bien diferenciadas.
Kandinsky crea un cuadro lleno de contrastes emocionales, encima del cual el ojo del espectador no consigue detenerse en ningún instante. En cuanto a la temática, la intencionada eliminación de elementos figurativos por parte del artista hace que sea incoherente la búsqueda de cualquier significado iconográfico. En lugar de esto Kandinsky quiere que el espectador se limite a la contemplación de las líneas y de los colores dispuestos encima de la tela, con el objetivo de incidir directamente en su sensibilidad.
Elementos de soporte: Esta obra es de formato rectangular, con soporte de tela y de medidas de carácter mediano.
Elementos técnicos: La técnica empleada para crear este cuadro se basa en el oleo sobre tela, consistente en aplicar una serie de pigmentos por encima para dar un color vivo y modificar correcciones en caso necesario de error.
Elementos formales y compositivos: Composición IV es una obra de carácter abierto, donde la escena parece continuar más allá del cuadro y en la cual los elementos que la componen no tienden a centrarse en un único punto de atención sino que más bien las líneas representadas huyen hacia el exterior.
Esta obra de composición no unitaria y de difícil separación entre los grupos compositivos, se caracteriza también por ser una mezcla de elementos, muchos de ellos sin una definición individual. Por lo tanto estamos hablando de una composición obscura.


Fuentes:
http://www.artelista.com/arte-abstracto.html
http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_abstracto
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Futurismo

El Futurismo es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el primer decenio del S. XX mientras el Cubismo aparece en Francia. Gira en torno a la figura de Marinetti, quien publica en el periódico parisiense Le Figaro el 20 de Febrero de 1909 el Manifiesto Futurista. Proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro, que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades.
En 1910 ya se puede hablar de un grupo liderado por Marinetti. Trabajarán artistas como los pintores Russolo, Carrá, Boccioni, Balla o Severini. El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado, especialmente en Italia, donde la tradición artística lo impregnaba todo. Quieren crear un arte nuevo, acorde con la mentalidad moderna, los nuevos tiempos y las nuevas necesidades. Para ello toma como modelo las máquinas y sus principales atributos: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento y la deshumanización. Dignifica la guerra como espacio donde la maquinación, la energía y la deshumanización han alcanzado las máximas metas.
Sus ideas revolucionarias no deseaban limitarse al arte, sino que, como otros muchos movimientos, pretendían transformar la vida entera del hombre. La estética futurista difunde también una ética de raíz machista y provocadora, amante del deporte y de la guerra, de la violencia y del peligro. El futurismo fue politizándose cada vez más hasta coincidir con las tesis del fascismo, en cuyo partido ingresó Marinetti en 1919.
La característica principal del futurismo es la plástica del dinamismo y del movimiento. El efecto de la dinámica se transmitía en vibrantes composiciones de color que debían producir un paralelismo multisensorial de espacio, tiempo y sonido. Al principio, se valieron para la realización de sus objetivos artísticos de la técnica divisionista, heredada del neoimpresionismo y más tarde se aplicó la técnica cubista de abstracción como procedimiento para desmaterializar los objetos. A partir de estas premisas, la representación del movimiento se basó en el simultaneismo, es decir, multiplicación de las posiciones de un mismo cuerpo, plasmación de las líneas de fuerza, intensificación de la acción mediante la repetición y la yuxtaposición del anverso y del reverso de la figura.
Buscaban por todos los medios reflejar el movimiento, la fuerza interna de las cosas, ya que el objeto no es estático. La multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio o una película, pueden dar como resultado la impresión de dinamismo. Crearon ritmos mediante formas y colores. En consecuencia, pintan caballos, perros y figuras humanas con varias cabezas o series radiales de brazos y piernas. El sonido puede ser representado como una sucesión de ondas y el color como una vibración de forma prismática.Los pintores extraen sus temas de la cultura urbana, máquinas, deportes, guerra, vehículos en movimiento, etc., eliminando progresivamente todo populismo o simbolismo.

Artista destacado: Giacomo Balla
(Turín, 1871-Roma, 1958) Pintor italiano. Trasladado a Roma en 1895, se dedicó a pintar escenas nocturnas y exteriores de la ciudad. Con posterioridad, abandonó el academicismo de sus primeros trabajos para seguir los postulados futuristas de Marinetti (Dinamisno de un perro atado). Sus estudios sobre la dinámica de la composición le llevaron a eliminar de forma gradual el uso de la figuración y a convertirse en uno de los precursores de la abstracción. Sus experimentos pictóricos sentaron las bases de las vanguardias de principios del s. XX.
Sus primeras obras, Interpretaciones Iridiscentes, Vuelos rápidos y Líneas de velocidad dieron el impulso y ritmo a las experimentaciones de los primeros años del futurismo.
Trabajó fundamentalmente sobre los aspectos ópticos del movimiento en obras como Muchacha corriendo en el balcón, Las manos del violinista o Dinamismo de un perro atado.
De la misma forma se interesa por realizar un análisis de los ritmos en ciertas aves, así como una serie sobre La velocidad del automóvil.
A partir de 1930, volvió a temas figurativos, pintando ciudades, paisajes y retratos. Fue, además, precursor del dadaísmo.

Muchacha corriendo en el balcón.

Durero trabajó por encargo para la alta burguesía alemana, en el mejor estilo flamenco que se conocía en aquel momento, perfectamente sintetizado con las novedades del Cincuecento que el autor había estudiado en Italia. En este retrato combina el realismo detallista propio de los alemanes, con cierto idealismo en el tratamiento de la figura. Sin embargo, los rasgos nórdicos predominan, puesto que es una pintura de encargo: la pose de tres cuartos, el material de óleo sobre tabla, el predominio al fin y al cabo del realismo sobre la idealización, etc.

Fuente:
http://www.arteespana.com/futurismo.htm

http://images.google.com/imgres?imgurl=http://tienda.artehistoria.net/tienda/banco/jpg/BAN00068.jpg&imgrefurl=http://tienda.artehistoria.net/tienda/banco/cuadros/68.htm&usg=__D4bqVsIG0TbQnVf2x81Oi_6FjfI=&h=400&w=400&sz=48&hl=en&start=1&itbs=1&tbnid=adujUV_7nGEIEM:&tbnh=124&tbnw=124&prev=/images%3Fq%3Dgiacomo%2Bballa%2B-Muchacha%2Bcorriendo%2Ben%2Bel%2Bbalc%25C3%25B3n%26hl%3Den%26sa%3DG%26gl%3Dar%26tbs%3Disch:1

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/balla.htm

Neoimpresionismo

En el diccionario de pintura moderna se encuentra la definición de Neoimpresinismo como: "este término fue creado por los mismos pintores del movimiento o por su portavoz Arséne Alexandre, quien lo empleó por primera vez en la revista L´arte Moderne, de Bruselas, el 9 de Septiembre de 1886." Se considera como creador y líder máximo del impresionismo a Georges Seurat.Es una modalidad del impresionismo ya que los impresionistas habían formulado varios principios los cuales les iban a servir de base, pero a la vez se da como una reacción en contra de él. El apego a dichos principios van a ser lo que los diferencia de los neoimpresionistas, pero se oponen al impresionismo debido a que muestran preocupación por el volumen.
Las formas son concebidas dentro de una geometría de masas puras, bien redondeadas, donde la luz y las formas va a hallar una unión perfecta. Es por ello que sus cuadros van a ser modelos de orden y claridad. En este estilo se vuelve a la ordenación de los cuadros y de los viejos principios de composición. El fundamneto del estilo Neoimpresionista se va a encontrar en la pincelada, la cual siemrpe se ve encontrada con el principio de la desición de tonos. Lo que hace que los cuadros parezcan mozaicos. Esta tendencia no duró mucho tiempo, debido a que necesitaba una paciente elaboración así como una gran diciplina, algo que no era muy compatible con los artistas impresionistas.

Influencia del arte Japonés

Para el Neoimpresionismo el arte japonés tuvo gran influencia. Japón ya se conocía en muchos lugares en el siglo XVI, en el siglo XVII ya se comenzaban a coleccionar piezas de porcelanas así como abanicos en las clases aristocráticas, más tarde en el siglo XIX se trabajaban de gran manera los grabados. No es sino hasta 1868 que Japón se abre por completo a Occidente donde se comienzan a conocer los llamados Ukiyo-e-hanga, estos grabados se exponen en toda Europa por lo que van a tener gran importancia debido a todas las novedades que estos aportaban, ya que dieron un gran impacto en cuanto a la renovación de los sistemas representativos.
Dichos Ukiyos pasaron a ofrecer una gran alternativa encontrando así una nueva forma de realidad. Estas obras estaban pintadas, y representaban en las pinturas un mundo superficial y fugaz. Todas estas representaciones artísticas japonesas fueron difíciles de aceptar por las clases elevadas.No fue entonces sino hasta 1880 cuando los pintores de esa época vieron en estas grandes obras algunos descubrimientos aptos para renovar su arte.

Algunos de estos descubrimientos fueron:

.Tratan de recuperar el dibujo y el trazo, cosa que no se hacía en el impresionismo.
.Los colores eran usados en las imágenes sobre superficies planas, con poca matiz pero nunca perdiendo la intensidad en la lejanía.
.Mediante el dibujo se transmiten las calidades de las materias, de la forma y del volumen.
.Tratan de captar de gran manera el gesto mediante la idea de la instantánea.
.El espacio tiene una nueva organización, usando la diagonal y la línea del horizonte se coloca más alta, para tratar así que las figuras se vayan escalonando.
.En una misma composición se usan diversos puntos de vista, lo que hace que las composiciones sean asimétricas y desdentradas.
.Se prefieren los formatos alargados.
.Se observa gran afinidad por los detalles, por las situaciones insólitas, así como por las siluetas.

Con todo esto se desecha cualquier tipo de convencionalismo anterior, y van a ser novedades de gran importancia influyendo en artistas importantes como: Lautrec, Van Gogh, Matisse, entre otro.

Artista destacado: Paul Signac

Paul Signac nació, en una familia acomodada y próspera (su padre tenía una guarnicionería). Estuvo libre de preocupaciones y estrecheces económicas, por lo que pudo desarrollar más libremente su creatividad, sin la obligación de tener que vender sus obras para sobrevivir.
No tuvo una formación académica, sino que tuvo una vocación autodidacta que le llevó a visitar la cuarta exposición impresionista con sólo 15 años. Rewald cuenta que, al verle tomar bocetos de una obra de Degas, Gauguin le expulsó de la muestra gritándole « ¡Aquí no se copia!»
Esta muestra le causó un gran impacto que le espoleó para seguir estudiando la obra de Monet y su grupo. Esta necesidad de mantener a toda costa su libertad creativa, le llevó a ser uno de los promotores de la Sociedad de Artistas Independientes, en 1884, cuando conoció a Seurat que sería a partir de entonces su amigo.
El trabajo de los neoimpresionistas fue durante mucho tiempo objeto de mofas y burlas. El reconocimiento tardó en llegarles. Una primera muestra fue que Signac fue el primer extranjero en ser aceptado en 1890 como miembro de un grupo de artistas de vanguardia belgas, que se hacían llamar los XX (los veinte).
Como resultado de los estudios que hizo de los artistas del pasado desde Delacroix, publicó en 1899 una obra que sería el manifiesto del Neoimpresionismo: De Delacroix hasta el Neoimpresionismo.
Una gran afición que Signac mantuvo junto con su pasión por la pintura fue la navegación a vela. Llegó a poseer varios veleros con los que recorrió todo el Mediterráneo. Llamó a uno de sus barcos «Olympia», como la obra de Manet. Con frecuencia hacía bocetos con la técnica de la acuarela que posteriormente le servían para componer obras con el estilo divisionista.
En la última etapa de su vida Signac (de ideas anarquistas, como Fénéon y Pissarro) presidió el Salón de los Independientes (de 1908 a 1934). Su labor supuso un estímulo para los fauvistas y cubistas, a quienes animaba sin descanso a exponer sus obras.

Una vista de marsella:

En esta obra es notable el uso que hace Signac del color para conseguir efectos luminosos aplicando la ley del contraste simultáneo. Las pinceladas de colores puros aparecen complementadas por colores secundarios, para crear un vibrante efecto de luminosidad a través del color:
1. La luz del sol se simula con pinceladas de amarillo, en contraste con el violeta del perfil de la ciudad en el horizonte. Signac también esparce pinceladas de amarillo complementadas con violeta en los reflejos de la luz sobre el agua.
2. En los cascos rojizos de los barcos de la izquierda abundan los toques de verde. Signac incluso pone un casco verdoso al lado de otro con una franja rojiza.
Composición
Signac logra el efecto de profundidad al emplear colores más tenues en los elementos más alejados, y más vivos en los cercanos (que están a ambos lados del lienzo). La barquita con figuras humanas cumple una función de enlace entre el resto de los elementos compositivos de la imagen.
Por último, es destacable el logrado efecto de contraste entre las líneas de color horizontales del agua del mar, y las verticales de los mástiles de los barcos, lo que aporta equilibrio al conjunto.

Fuente (desde el artista destacado) :

http://www.ite.educacion.es/w3/eos/MaterialesEducativos/mem2006/impresionismo/xhtml/04neoimp/04c3.html

Cubismo

Los orígenes del Cubismo giran en torno a 1907, fecha en la que Picasso concluye Las Señoritas de Avignon, que será el punto de partida.
George Braque junto con Picasso son los inspiradores del movimiento y algunos de los principales maestros son Juan Gris, Fernand Leger, Jean Metzinger y Albert Gleizes, pero con anterioridad, Cézanne ya habría marcado el camino.
Cézanne recibió la influencia del Impresionismo y reaccionó contra él. Rechazó la impresión en favor de una comprensión más profunda de la realidad. Su fórmula era la forma-color. Él cree que la naturaleza no se dibuja, sino que se manifiesta a través del color. Cuanto más color se precisa más aparece el dibujo de los objetos, pero aparece en la forma. Por eso, la pintura de Cézanne no es una pintura dibujada, sino una pintura de volúmenes, de formas. Y una vez creadas, hay que relacionarlas entre sí, surgiendo aquí el problema de los planos, que lo impulsa a mirar los objetos desde varios puntos de vista.
Estas lecciones fueron asumidas por el cubismo que hará un replanteamiento de la obra de arte, de las formas, de la perspectiva, el movimiento, el volumen, el espacio, el color, etc. Crea un nuevo lenguaje pictórico y estético que implica una nueva relación entre el espectador y la obra de arte. El espectador ya no puede contemplarla sin más, sino que tiene que reconstruirla en su mente para poder comprenderla.
El Cubismo es un arte mental, se desliga completamente de la interpretación o semejanza con la naturaleza, la obra de arte tiene valor en sí misma, como medio de expresión de ideas. La desvinculación con la naturaleza se consigue a través de la descomposición de la figura en sus partes mínimas, en planos, que serán estudiados en sí mismos y no en la visión global de volumen. Así un objeto puede ser visto desde diferentes puntos de vista, rompiendo con la perspectiva convencional y con la línea de contorno. Desaparecerán las gradaciones de luz y sombra y no se utilizarán los colores de la realidad, apareciendo en las representaciones el blanco y negro. Las formas geométricas invaden las composiciones. Las formas que se observan en la naturaleza se traducirán al lienzo de forma simplificada, en cubos, cilindros, esferas. Nunca cruzaron el umbral de lo abstracto, la forma siempre fue respetada. Los principales temas serán los retratos y las naturalezas muertas urbanas.

Pablo Ruiz Picasso (1881-1973)
Las Señoritas de Avignon anuncian su producción cubista, donde rompe con todas las normas tradicionales de la pintura figurativa fragmentando la perspectiva en volúmenes cuadrados y angulosos. El título se refiere aun burdel barcelonés situado en una calle con el mismo nombre. Vemos el influjo de Cézanne, del arte ibérico y de la escultura negra. Las mujeres que aparecen desnudas tienen desfigurados sus rostros, algunas de ellas recuerdan máscaras africanas.
Con los presupuestos del cubismo analítico realiza Desnudo con toalla, La fábrica de Horta de Ebro, y retrato de Ambosio Vollard.
En Naturaleza muerta con silla de rejilla, Guitarra y en Naturaleza muerta introduce el collage.
A partir de 1915 dirigirá su atención hacia otros campos de investigación e irá definiéndose su eclecticismo reelaborando experiencias anteriores con gran libertad, como el surrealismo y el expresionismo.

El Guernica, el cuadro símbolo del horror de la guerra civil española y el bombardeo del 26 de Abril de 1937 que destruye la ciudad vasca de Guernica, responde a los modos intelectuales de los cubistas, a la simbología del surrealismo y a las deformaciones expresionistas.

Fuvismo

El fauvismo fue un movimiento pictórico francés de escasa duración. Se desarrolló entre 1904-1908 aproximadamente.
El Salón de Otoño de 1905 supuso la primera exhibición para el grupo. El crítico de arte Louis Vauxcelles tras contemplar las gamas cromáticas estridentes y agresivas de los trabajos expuestos les atribuyó el término "fauves", que en español significa fieras. El nombre asignado era en origen un calificativo peyorativo, como les sucedió a otros movimientos artísticos del S. XX, pero fue asumido por el público y posteriormente introducido en la historia del arte sin connotaciones despectivas.
El movimiento se fraguó en torno a Henri Matisse y sus integrantes fueron André Derain, Maurice de Vlaminick, Henri Manguin, Albert Marquet, Jean Puy y Emile Otón Friesz. En 1906 se unieron también George Braque y Raoul Dufy.
El Fauvismo no fue un movimiento conscientemente definido, careció de un manifiesto. Fue un mosaico de aportaciones en el que cada pintor acometía sus obras como una experiencia personal cargada de espontaneidad y de frescura. Les unió la actitud violenta con la que se enfrentaron a los convencionalismos de la época rechazando las reglas y los métodos racionales establecidos. Reaccionan contra el Impresionismo y contra la importancia que éstos habían dado a la luz a costa de la pérdida del color.
Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar sentimientos y este pensamiento condicionó su forma de pintar. No buscan la representación naturalista, sino realzar el valor del color en sí mismo. Por ello, rechazaron la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas a favor de los colores violentos para crear un mayor énfasis expresivo.

Emplearon una pincelada directa y vigorosa, con toques gruesos, sin mezclas, evitando matizar los colores. Las figuras resultan planas, lineales, encerradas en gruesas líneas de contorno. Sus creaciones respondían a un ejercicio de sintetización, buscan la máxima intensidad emocional combinada con la máxima simplificación de elementos. Por ello renuncian a la perspectiva clásica, al claroscuro y al modelado de los volúmenes. La luz tiende a desaparecer y con ella la profundidad. Sus temas son retratos, naturalezas muertas, personajes en interiores, paisajes hermosos.
Otra característica es el gusto por la estética de las estatuas y máscaras africanas. El arte de los pueblos primitivos no es imitativo, sino que plantea un evidente alejamiento de las formas naturalistas para tender a la esquematización.

Henri Matisse (1869-1954)
Considerado el líder de los fauvistas, fue el único de ellos que no cambió su dirección. Intenta expresar sentimientos a través del uso del color y de la forma.
Su primera formación la realizó dentro de la tradición académica en el estudio de Gustave Moreau, siendo condiscípulo de Roault y Marquet. Realizó numerosas copias de los cuadros de los maestros clásicos a la vez que estudió el arte contemporáneo, sobre todo el de los impresionistas, comenzando su propia experimentación.

La verdadera liberación artística de Matisse, referida al uso del color como configurador de las formas y planos espaciales, se produjo bajo la influencia de Van Gogh y Gaugain. También adoptó la técnica puntillista de Signac, pero la modificó aplicando pinceladas más amplias. En La alegría de vivir (1905-1906) resume su aprendizaje inicial de los cuadros clásicos, de Gaugain, de las estampas japonesas y de los iconos persas y bizantinos. Será la obra clave de su carrera. Es una escena fruto de su imaginación, totalmente subjetiva. Utilizó el tema de las bañistas y las odaliscas orientales y las traspasa a un ambiente occidental. Definió los espacios mediante amplias áreas de colores sin matizar, estructurados por medio de las líneas de los cuerpos, que dirigen la vista del espectador y marcan el ritmo de la composición.
La construcción con el color y la simplificación formal dominaban sus cuadros con gran audacia y seguridad. Matisse dibuja con el color, que es el que da entidad a la pintura pudiendo desempeñar el papel de dibujo, de perspectiva y de sombra de volúmenes. En su obra hay alegría, serenidad, es un arte amable, apacible, es un camino hacia la profundidad de sí mismo.
Recibió un reconocimiento internacional durante su vida ganándose la aprobación de los críticos de arte y de los coleccionistas. Uno de los encargos más importantes fue La música y La danza, donde volumen y ritmo se conjugan armoniosamente. Usa tres colores para imprimir movimiento a los bailarines que parecen flotar con ritmo.

Impresionismo

El Impresionismo es un movimiento pictórico que surge en Francia a finales del S. XIX en contra de las fórmulas artísticas impuestas por la Academia Francesa de Bellas Artes, que fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales en el Salón parisino.
El objetivo de los impresionistas era conseguir una representación del mundo espontánea y directa.
El Impresionismo parten del análisis de la realidad. Hasta ahora la pintura reproducía un escenario en el que ocurría un acontecimiento que conformaba el mensaje para el espectador. Ahora, se quiere que la obra reproduzca la percepción visual del autor en un momento determinado, la luz y el color real que emana de la naturaleza en el instante en el que el artista lo contempla. Se centrarán en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos y no en la representación exacta de sus formas ya que la luz tiende a difuminar los contornos. Ven colores que conforman cosas, y esto es lo que plasman, formas compuestas por colores que varían en función de las condiciones atmosféricas y de la intensidad de la luz. Todo esto hace que elaboren una serie de un mismo objeto en diferentes circunstancias atmosféricas y temporales, no les importa el objeto, sino las variaciones cromáticas que sufre éste a lo largo del día.

Los impresionistas eliminaron los detalles minuciosos y tan sólo sugirieron las formas, empleando para ello los colores primarios (azul, rojo y amarillo) y los complementarios (naranja, verde y violeta). Consiguieron ofrecer una ilusión de la realidad aplicando directamente sobre el lienzo pinceladas de color cortas y yuxtapuestas.

El término impresionistas les fue impuesto de modo peyorativo por el crítico Louis Leroy al ver la obra de Monet Impresión atardecer o Impresión sol naciente en la exposición de 1874. Lo habitual era exponer en el Salón Oficial, pero los nuevos artistas, conocidos como "Los Rechazados", tenían que buscar lugares alternativos donde les permitieran exhibir sus obras.

Monet (1840-1926)

Es uno de los pintores que más contribuye al movimiento. Nunca derivó hacia otras corrientes artísticas, sino que se mantuvo fiel al Impresionismo hasta su muerte.

Su máxima preocupación es plasmar la vibración cromático-lumínica en sus lienzos. La luz engendra el color y la forma. Sus temas preferidos son las marinas, las escenas fluviales y los paisajes. Ejemplos: Impresión atardecer, Regatas en Argentuil, Las amapolas, Paseo con sombrilla, La estación de San Lázaro, La Catedral de Rouen.

Degas (1834-1917)
Es un impresionista más de la forma que del color. Es un hábil dibujante, le preocupó captar el movimiento con fidelidad, de ahí que desarrollara temas como las bailarinas y las carreras de caballos.
Es un gran observador de la mujer, capta las posturas más insólitas, las poses naturales e instantáneas. Algunas de sus obras son: Clase de danza, La bebedora de ajenjo, Bailarina en la escena, Planchadores, Carreras. Cultivó el dibujo en detrimento del color, por lo que no armonizó bien con el Impresionismo, y tampoco con las tendencias conservadoras por sus temas contemporáneos.